СОБЫТИЯ
Вразрез с мейнстримом

Мода и ремесла. Совместный российско-шведский проект.

25 мая — 1 июня 2015

 

В конце мая в московском Музее декоративно-прикладного искусства прошла выставка, организованная в сотрудничестве со Шведским ин­ститутом в Стокгольме и посольством Швеции в Москве (иллюстрации см. во вклейке 5). Участникам было предложено подумать о современной роли традиционных ремесел. Оказалось, что разговор о ручном труде так или иначе ведет к размышлениям об ответственном потреблении, о необходимости противопоставить что-то массовому поточному произ­водству, об экономии ресурсов и повторном использовании материалов. «Шведский институт уже не раз обращался к теме ремесел, — гово­рит Йенни Бергстрём, координатор проекта из Стокгольма, — в том числе и в связи с высокой модой. В Швеции сейчас явное возрождение интереса к ремеслам, которое, впрочем, идет во всем мире. В том чис­ле и в мире моды. Поэтому, когда возникла идея совместного проекта с московским Музеем декоративно-прикладного искусства, мы снова обратились к этой теме. Тем более что в России уровень владения тра­диционными рукодельными техниками намного выше, чем в Швеции.

Очень хотелось создать такую площадку, на которой был бы возможен обмен знаниями и умениями — и между дизайнерами, и между масте­рами и публикой. К тому же интересно было затронуть важные для со­временного общества темы производства, потребления, материальных ресурсов и ресайклинга».

Приглашенные к участию дизайнеры одежды — трое шведских и трое российских — провели в пространстве выставки свои мастер-классы, во время которых размышляли о ручном труде в современной моде, об использовании народных мотивов, символике цвета и орна­мента и их современном прочтении, о материалах традиционных и ин­новационных. Замечательно интересно было наблюдать, как заданная тема преломляется то под одним, то под другим углом — по-разному у каждого из художников.

Надя Конрад (Gwynt) — сторонница slow fashion. Коллекция, вещи из которой были представлены на выставке, исполнена простоты и при-родности. Надя вдохновлялась неяркими северными просторами, по которым гуляет ветер (именно так переводится слово gwynt с валлийского), давший название ее марке одежды, старинными деревянными строениями, дикими мхами и травами, традиционными способами вязания и еще — негромкой жизнью американских амишей: у них позаимствованы и взгляд на мир, и особенности кроя, их традициями вдохновлен и выбор тканей. Надя производит одежду из материалов, полученных с соблюдением стандарта fair trade (справедливой торговли). И кроме того, эта одежда абсолютно экологичная: в ее первой коллекции — хлопок и шерсть.

Представленные на выставке вещи Gwynt — произведения ручного труда: Надя любит вязать, изучает и пробует разные техники, и созданный ею узел (интерпретация традиционных кельтских мотивов и вариация на тему аранского вязания) действительно впечатляет. Но вот чтобы сделать вещи, близкие к аутентичным, придать им «деревенский» вид, пришлось постараться: воспроизвести природную неровность, свойственную народным вещам, не так просто. В результате одна вещь вязалась спицами разного размера попеременно. То же — и с тканью для платья: чтобы придать ей вид «как из бабушкиного сундука», Надя использовала натуральное крашение уже готовой вещи.

Ручное изготовление принципиально важно для марки Gwynt: Надя Конрад считает, что конвейерное производство и массовое потребление лишают вещь души.

Для Наталии Тимаковой, художника и начинающего модного дизайнера, традиционные ремесла — это, в первую очередь, ручная работа. «Мастера сейчас на вес золота», — считает она. Несмотря на то что в наше время очень многие операции в производстве можно доверить технике, сложные объемные композиции Наталии сшиваются из многих сотен деталей вручную. В аксессуаре, созданном специально к выставке (ожерелье, оно же — древнерусское оплечье, которое может трансформироваться в кокошник), задействовано около 200 деталей. В платье, ставшем победителем проходившего незадолго до выставки Биеннале инновационного текстиля, — около 700.

Наталия создает футуристичные наряды с использованием очень неожиданных инновационных тканей. Но вдохновляется во многом народным костюмом. «Меня очень интересует символика традиционной одежды: и цвета, и орнаменты. Славяне придавали большое значение и тому и другому. Мне кажется очень интересным вплетать в современные наряды скрытый смысл прошлого. На первый взгляд, в моих платьях сложно разглядеть что-то от славянских сарафанов, однако цвета имеют здесь символическое значение. В представленном на выставке „королевском” платье я использовала три цвета: белый как символ высокого социального положения у славян; синий как символ зрелой замужней женщины; серебряный, поскольку только богатые женщины носили обереги из чистого серебра».

Три цвета — это еще и три вида инновационной ткани. Синяя — ткань с экранирующими нитями (защищающая от электромагнитного излучения). Белая — используемая для микрофильтрации в алкогольной промышленности. Серебряная — огнеупорная сетка из космической промышленности.

Каролина Рённберг (Wilhja) — родом из крохотного городка на севере Швеции. Это важно, потому что вдохновение Каролины во многом идет из традиционного уклада жизни ее семьи. Марка Wilhja создает очень сложно организованные платья-скульптуры, при этом у Каролины нет никакого специального образования. Все, что ею двигало, — рассказывает она, — это мечта, желание выразить себя и идти собственным путем (это желание и память о родном городе Вильгель-мина объединились в названии бренда — Wilhja). Как делать, если не знаешь, как? «Очень просто, — отвечает Каролина, — так же, как делали всегда мои предки: когда нужно было во что-то одеться — женщина делала ткань и шила; когда нужно было где-то жить — мужчина рубил деревья и строил дом… Довольно сложно рассказывать людям о своей личной, внутренней правде, пытаться вдохновить других людей идти их собственным, не похожим ни на какой другой, путем. Ведь при этом никто не может гарантировать, что это будет за путь и куда приведет. Но я тем не менее верю, что все возможно, и я верю в каждого, кто следует за своей мечтой».

Простое, казалось бы, делание, состоящее из проб, ошибок и новых проб, превратило Каролину в одного из самых многообещающих молодых шведских дизайнеров. В этом делании состоит ее философия: «Пробуйте, берите материал и экспериментируйте с ним, старайтесь получить то, что представляется вам в воображении, ищите свой путь. Вы способны создать свой собственный подход: другие подходы тоже созданы людьми, которые пробовали».

На выставке были представлены два платья Каролины Рённберг, созданные из преображенных материалов. Одно — это объемная композиция из нескольких килограммов шифона. Дизайнеру было важно сделать по-настоящему тяжелую и монументальную вещь из того, что принято считать легким и летящим. Второе — платье из обоев. Каролине хотелось переработать неиспользуемый старый материал и сделать ткань необычной объемной структуры. Так появились два способа скручивания бумажных полосок, из которых, как из конструктора, собирался наряд.

Йоханна Тёрнквист, художник и дизайнер, создает яркие впечатляющие наряды и аксессуары в традициях народов мира… из мусора. В основном это упаковка: пластик, фольга, пакеты от макарон и кофе, — все, что остается в обычной семье от ежедневного приготовления пищи.

Йоханна создает красивые вещи, практически от-кутюр, которые привлекают внимание и позволяют направить его на важные для дизайнера вещи. «Конечно, мои работы — это скорее арт-объекты, а не одежда в обычном смысле слова. Делая вещи, я говорю о состоянии окружающей среды и о том, что мусор возможно использовать, а не выбрасывать. Моя цель — заставить людей задуматься о потреблении и устойчивом развитии. Делать обычные платья — это значит предлагать людям покупать снова и снова… Я же хотела бы научить людей делать самостоятельно. Мусор — это наше новое сырье, в городе именно его можно „добыть” совершенно бесплатно…»

Если платья Йоханны Тёрнквист красивы, но не особенно удобны в ежедневном применении, то аксессуары, которые делает дизайнер, вполне можно носить. Непосредственно прилегающая к телу поверхность выполнена из старых кружев, связанных крючком салфеток и лент, обычно хранящихся во множестве в бабушкиных комодах. Такой клад Йоханна нашла когда-то и у своей бабушки — это и был первый толчок к ресайклингу, созданию вещей из старых материалов.

Эмили Альнер — автор нашумевшего проекта Kurbitch! (вещи из него и были представлены на выставке). Название происходит от шведского слова kurbits, знаменитых народных узоров. Эмили считает, что старинные паттерны в наше время — это что-то подобное знаменитой шведской далекарлийской лошадке: все знают, что она размножена в бесконечных копиях и воспринимается скорее как китч, но при возможности все же поставят ее на каминную полку — такая она милая.

Шведский совет премировал коллекцию Kurbitch!, отметив, что она «придает наследию и традициям совершенно новый масштаб». Эмили действительно взглянула на народные узоры по-новому: буквально завернула в них свои модели. Дизайнер проецирует старинное изображение на лист бумаги с увеличением, а затем вырезает по контуру. Дальнейший процесс, по сути, состоит в драпировке получившейся выкройки по фигуре. Результат — причудливые, в резьбе, напоминающей русские наличники, платья.

Эмили работает с инновационными материалами: оптоволокном, оргстеклом, светодиодами — и мечтает о тех временах, когда выкройку ее платья сможет распечатать на 3D-принтере любой желающий. Смысл объединения традиционных ремесел с новыми технологиями дизайнер видит в создании абсолютно уникальных, неконвейерных вещей. «Чтобы принять что-то новое, человеку важно видеть хоть что-то знакомое» — и таким элементом выступает народный узор. Элементы же из оргстекла или светодиодов, по мнению Эмили, привлекают внимание и делают вещь уникальной, а значит, ценимой. Такую вещь не выбросишь через месяц, как купленную в супермаркете футболку, одну из многих.

При всей футуристичности композиций Эмили ручной труд — обязательная часть ее рабочего процесса. Например, светодиодную сеть для своих изделий она собирает сама.

Светлана Сальникова (Fy:r) во многом вдохновляется традициями скандинавского дизайна. Даже в названии ее модного бренда — шведское слово fyr («маяк»). «В логотипе мы используем знак транскрипции, — объясняет Светлана, — показывая, что хотим транслировать скандинавский подход в нашем дизайне… Скандинавы очень часто ищут вдохновения в своих истоках, народном творчестве, воплощая это в принтах и цветах, техниках. Они ни в коем случае не отказываются от искусства в пользу технического дизайна, а соблюдают баланс».

Светлана с большим вниманием смотрит в сторону русского народного искусства, вдохновляясь формами, узорами, технологиями и идеями. Однако она далека от простого копирования: скорее старается переосмыслить старое, создав что-то принципиально новое.

«Чем дальше вы уйдете в своем исследовании костюма и быта, чем менее похожим на источник вдохновения будет результат, тем более „вашим” получится дизайн», — объясняет Светлана. Так, в выкройках пуловера и платья, представленных дизайнером на выставке, были использованы основные конструктивные линии… каргополь-ского кокошника.

В последние два дня работы выставки во дворе Музея декоративно-прикладного искусства была устроена своеобразная лаборатория шведского дизайнера Фии Сёстрём, занимающейся текстильным ап-сайклингом. Здесь из старых трикотажных вещей делались новые. Принять участие мог любой желающий.

Фия Сёстрём — автор книги о возможностях переделки старых вещей Returnity — и одноименного сайта. «Многие люди, по-настоящему увлеченные идеей ручного труда и ресайклинга, не сразу замечают, что в моей книге совсем нет слов, — рассказывает Фия, — одни картинки-инструкции. Таким образом, она даже не нуждается в переводе. А значит, язык ремесла — по-настоящему универсален».