Цвет моды

Missoni, искусство, цвет (Missoni, Art, Colour). Музей моды и текстиля, Лондон. 6 мая — 4 сентября 2016

 

Выставка «Missoni, искусство, цвет» первый раз была показана в Музее искусств MA*GA в 2015 году. Он находится в Галларате (Италия) и располагает коллекцией из более чем 6000 работ, в основном произведений итальянского искусства от начала ХХ века до наших дней. Целью «Missoni, L’Arte, Il Colore» в этих стенах было показать «творческий процесс, в ходе которого искусство переплетается с модой», сосредоточившись, в частности, на отношениях между искусством, модой и дизайном тканей.

Исходная выставка, кураторами которой выступили искусствовед и историк Лучано Карамел, входивший в состав комиссии Венецианской биеннале и Римской квадриеннале, Лука Миссони, художественный руководитель архива Миссони, и Эмма Занелла, директор Музея искусств MA*GA, специалист по современному искусству и музейному делу, состояла из ста предметов одежды, раскрывающих историю бренда параллельно с историей европейского искусства ХХ века.

Выставка открылась 6 мая в Лондоне, в музее, специализирующемся на истории моды и тканей. Музей, располагающийся в здании ярко-оранжевого и розового цветов, был основан Зандрой Роудс в 2003 году, а сейчас принадлежит Колледжу Ньюхем. Выставка «Missoni, искусство, цвет» продолжает проходивший в музее «Фестиваль тканей — 2016», в рамках которого предпринималась попытка продемонстрировать современные практики, связанные с текстилем, и посмотреть, каким образом ткани украшают нашу жизнь.

Выставка «Missoni, искусство, цвет» открывается видеоинсталляцией на основе документального фильма, выполненной турецким художником Али Казма. Само видео было снято в 2009 году на фабрике Missoni с целью запечатлеть процесс промышленного производства. В фильме прослеживается создание коллекции Missoni, от окраски нитей до конечного результата, с акцентом на мастерстве и практичном подходе к ткани. На выставке фильм демонстрируется одновременно на двух смежных, во всю стену, телеэкранах.

Выходя из этого зала в дверь соседнего помещения, посетители попадают в первый выставочный зал — длинный коридор, выкрашенный в фирменный цвет компании Sanderson — серый оттенков «трубочист» и «слоновая кость». В тексте на настенной панели, озаглавленном «Истоки», обозначен замысел этого традиционно организованного музейного пространства — показать произведения изобразительного искусства, вдохновлявшие Оттавио и Розиту Миссони, которые в 1953 году и основали дом моды Missoni.

Учитывая, что выставка посвящена модному бренду, отсутствие каких-либо предметов одежды в этой вводной части кажется весьма необычным. Вместо этого здесь выставлены работы художников-авангардистов, преимущественно итальянских футуристов, начала ХХ века. Среди представленных здесь работ — «Напряженная пространственная структура» Нино ди Сальваторе (1952), «Балерина» Джино Северини (ок. 1957) и «Цветовой ритм» Сони Делоне (1962).

На табличках рядом с экспонатами даны краткие сопроводительные описания. К сожалению, они не всегда объясняют, почему то или иное произведение было уместно включить в экспозицию, и дополнительная уточняющая информация была бы очень кстати. Например, Соня Делоне была одним из любимых художников Оттавио Миссони, которому «были особенно близки ее стиль и подход к дизайну». Влияние орфизма в ранних моделях Missoni видно отчетливо и прослеживается в использовании цвета и геометрических форм, поэтому решение обратиться к ее работам получает вполне ясное обоснование. Однако в других описаниях, например относящихся к «Двойственной композиции» Атанасио Солдати (1951) и «Балерине» Джино Северине (ок. 1957), излагается краткая биография художника, но неочевидна связь с экспозицией. В частности, не объясняется, почему были выбраны те или иные произведения, кроме того что они представляют собой примеры абстрактного искусства. Равно и тем, кто незнаком с абстрактным экспрессионизмом начала ХХ века, могут быть не вполне понятны параллели между работой этих художников над формой и цветом и фирменными дизайнами Missoni.

От «Истоков» коридор ведет к главному залу Музея моды и текстиля — просторному помещению на нижнем уровне здания. Над ним в форме подковы располагается второй этаж, напоминающий антресоли и состоящий из узких коридоров. В центре выставки — объединенные разделы «Стиль Missoni» и «Страсть к материалу».

В этом зале внимание прежде всего сосредоточено на больших настенных панно Оттавио, по-итальянски известных как arazzo: одно из них простирается на всю высоту двухэтажного помещения. Эти пестрые геометрические «гобелены», составленные из вязаных лоскутков, стали средоточием стиля Оттавио Миссони, того, как его обширный интерес к цвету и ткани соединялся и с модой, и с искусством. Текст на стене обращает наше внимание на слова самого Оттавио: «Это естественное продолжение моей работы — того удовольствия, которое я получаю, играя с этими разноцветными вязаными кусочками, каждый из которых заслуживает отдельного внимания, поскольку у него своя история и своя жизнь». Представленные здесь панно являются примером того, как поиски Оттавио в области текстиля, стоящие за созданием уникальной одежды от Missoni, могли принимать новую художественную форму.

В разделе «Стиль Missoni» — серия картин, созданных Оттавио в 1970-е годы. Например, «Без названия» (1973) — картина, написанная акрилом на картоне и представляющая собой цветные вертикальные линии на белом фоне, — очевидным образом навеяна работами, представленными в разделе «Истоки». Анджела Миссони, художественный директор дома моды Missoni с 1997 года, рассказывает:

«Мои родители были оба чрезвычайно увлечены искусством, но отец еще и рисовал. Когда они только переехали в Сумираго, то оказались в окружении белых стен, а средств на покупку картин у них не было. Поэтому отец несколько месяцев провел в мастерской своего друга, создавая картины, которые можно было бы повесить дома».

Как поясняется в сопроводительном тексте, изготовление одежды стало естественным следующим шагом для творческой пары. Ткани давали им возможность продолжать эксперименты с цветом и формой, придумывая стилистические решения, проработанные в строгом соответствии с их эстетическими принципами. Показать это — главная задача выставки: в левом углу зала зрителю открывается поразительное зрелище — пирамида, образованная сорока двумя развернутыми к посетителю манекенами. Набор костюмов броских расцветок, с зигзагами и полосами, охватывающих период с 1953 по 2014 год, представлен на фоне разноцветного веревочного занавеса.

На стене напротив пестрых лоскутных панно Оттавио располагается геометрического силуэта вязаное пальто с рукавами реглан и карманами с клапанами. Эту смелую модель Анна Пьяджи, фешен-редактор итальянского Vogue, носила в период нулевых. Также здесь можно увидеть комплект из фиолетового кардигана и платья, получивший в 1973 году награду Neiman Marcus — «модный Оскар», и платье 1969 года в красно-желто-зеленую полоску, благодаря которому на Missoni обратила внимание сама Диана Вриланд, шеф-редактор американского издания Vogue. На фоне экспозиции, состоящей из главных работ Missoni, история этих предметов затерялась, поскольку не было текста, из которого посетители могли бы почерпнуть какие-то дополнительные сведения. Хотя визуально манекены отражают целостную последовательную эстетику бренда, без текстовой информации представленные костюмы как будто теряют свое значение: вне контекста это просто красивая одежда. Как в разделе «Истоки» стоило бы обосновать подбор произведений искусства, так и здесь более подробная информация об экспонатах, даже просто датировка, могла бы дать многое.

Перекликаясь с документальным фильмом, который демонстрируется во вводной части выставки, в этом зале звучит шум фабричных машин Missoni, смешанный с электронными инструментами, издающими характерное механическое пощелкивание. Оно рифмуется с верхним освещением, которое с щелчком загорается и гаснет через равные промежутки времени, выхватывая из темноты отдельные манекены из пирамиды, прежде чем свет освещает ее всю. Музыкант, композитор и исполнитель Пьетро Пирелли создал синкретичную светозвуковую среду, пояснив: «Ткацкие машины так же ритмичны, как ткань, которую они производят». Ритмичный стук машин удачно вписывается в эстетику бренда, особенно если говорить о влиянии Делоне и орфизма, поскольку звук и движение подчеркивают важность ритма и гармонии для работы Миссони.

Заключительный раздел наверху, «Диалоги», во многом повторяет композицию первого раздела, «Истоков». Это пространство было спланировано так, чтобы отобразить связь между творчеством Оттавио и Розиты Миссони и итальянской визуальной культурой 1950–1980-х годов. Здесь сравниваются работы представителей «конкретного искусства» Бруно Мунари и Джилло Дорфлеса, экспериментирующих с оптическими и кинетическими эффектами художников Дадамаино и Давиде Бориани и творчество Оттавио Миссони. Работа с цветом, знаками и формами приобрела у Миссони более эзотерический и концептуальный характер в 1970–1980-е годы, что позволяет с интересной точки зрения посмотреть на дизайнерские эскизы Оттавио, часть из которых представлена на выставке. Как и другие разделы, «Диалоги» бы выиграли, если бы на стенах размещался сопроводительный текст; особенное недоумение вызывал «собранный» из геометрических форм джемпер, выставленный без каких-либо пояснений.

В последние годы проводилось много выставок, всецело посвященных одному модному бренду или дизайнеру: «Александр Маккуин: дикая красота» в Метрополитен-музее в Нью-Йорке и музее Виктории и Альберта в Лондоне в 2011 и 2015 годах соответственно; «Чарльз Джеймс: больше чем мода» в Метрополитен-музее в 2014 году; «Мир моды Жан-Поля Готье: с улицы на подиум» в Художественной галерее Барбикан в Лондоне в 2014 году, и это лишь некоторые из них. Однако, в отличие от перечисленных, выставка «Missoni, искусство, цвет» задумывалась не как ретроспектива, а, скорее, как исследование малоизученного аспекта дизайнерской работы Оттавио и Розиты Миссони, а именно их взаимоотношений с современным искусством. Однако при таком подходе получается, что посетитель уходит с выставки, очень мало узнав об этой замечательной паре и, поскольку внимание сосредоточено в основном на творчестве Оттавио, еще меньше — о Розите.

Выставку о Missoni можно поставить в один ряд с другими выставками, в центре которых оказывалось неуловимое понятие вдохновения и творческого процесса: «Разрешите представиться: Пол Смит» в лондонском Музее дизайна в 2014 году; «Дрис Ван Нотен: вдохновение» в Музее декоративного искусства в Париже в 2014 году; «Луи Виттон, цикл 3» в лондонском музее на Стрэнде, 180, в 2015; а также «Мадемуазель Приве» в галерее Saatchi в Лондоне в 2015 году — вот лишь несколько примеров блестящего исследования этой темы. Как и «Missoni, искусство, цвет», эти выставки в меньшей степени были выстроены вокруг демонстрации одежды, вместо этого предлагая проследить источники влияния, простирающиеся за пределы конкретного мира моды. В случае с домом моды Missoni зрителю был продемонстрирован осознанный диалог бренда с европейским искусством начала ХХ века.

Перевод с английского Татьяны Пирусской